Значение костюма в перформативных практиках

1. Концепция: — Введение — Обоснование выбора темы — Принцип струкурирования исследования — Принцип выбора и анализа источников — Ключевой вопрос и гипотеза исследования

2. История костюма и понятие перформанса

3. Анализ работ дизайнеров костюма: — Поль Пауре — Ацука Танаку — Рэи Кавакубо и опера «‎Орландо»‎ — Александр Маккуин и показ-перформанс «No.13» — Андрей Бартенев

4. Заключение

5. Список использованной литературы и источников

Сложно отрицать связь искусства костюма и дизайна одежды с «миром» театра. Самые древние полотна и старинные произведения, призванные увековечить вневременное сияние великих постановок, изображают героев, облачённых в узнаваемые наряды. «Прочитать» образ, характер героя нам позволяют знакомые всем детали — будь то вариации шутовских головных уборов или хрустальные туфельки Золушки. Это визуальное исследование посвящено знакомству с самыми необычными и яркими идеями дизайнеров костюма, результатами их труда и, конечно же, анализу симбиоза театрального и «модного» искусств на сцене.

Выбор темы обусловлен её актуальностью, большим вниманием к ней в индустрии моды и театра, а также сильной личной заинтересованностью. Немного источников позволяют познакомиться не только с «громкими» работами всемирно известных дизайнеров, но и с менее популярными, которые, в свою очередь, я нахожу наиболее концептуальными. Перед своим исследованием я ставлю важную цель: проанализировать как популярные, так и более «нишевые» работы, изученные в меньшей степени. В данном исследовании я постараюсь доказать значимость «перформативного» костюма наравне с важностью актёрского и сценарного мастерства, я погружусь в философию понятия «перформанс» и сопоставлю данные анализа в чёткий и понятный любому читателю вывод.

Визуальное исследование будет разделено на 8 частей. Первый раздел будет содержать концепцию, а второй будет посвящен истории зарождения костюма в перформативных практиках, в нем будут рассмотрены основные терминологические положения, важные для понимания дальнейшего материала. Следующие 6 частей будут посвящены изучению творчества отдельных дизайнеров. В исследовании будет содержаться краткая, необходимая для раскрытия темы биография, визуальный и смысловой анализ образов. За этими разделами последует блок с итогами проведенного исследования, а также будет дан ответ на ключевой вопрос. В завершении лонгрида будет приведен список используемых источников.

Опорой для публикации станут источники, отобранные мною по смысловой принадлежности, общему качеству, количеству материала и содержательности. Книжные издания, используемые мною для исследования, будут отбираться по количеству положительных отзывов и рецензий, а статьи — в соответствии с величиной цитируемости. В приоритет будут поставлены наиболее популярные и просматриваемые работы. Также я изучу несколько признанных достоверными научно-популярных сайтов. В принцип подбора дизайнеров костюмов я закладываю, в первую очередь, отличимость их работ от остальных, уникальность и концептуальность образов, а во вторую — личное желание изучить творчество выбранных мастеров.

Вопрос «Действительно ли костюм в перформативных практиках важен настолько же, как и актёрское мастерство?» станет ключевым для моего исследования. Согласно моей гипотезе, важность грамотного «облачения» актёра стоит наравне с его сценическим мастерством и пониманием пьесы. Я считаю, что зритель в первую очередь воспринимает не личную драму героя, а его «оболочку» — наряд, и первое впечатление формируется именно за счёт него. Из этого следует, что разработка сценического образа состоит из огромного количества нюансов, которые и будут рассмотрены на примере работ пяти выдающихся мастеров костюма.

Сложно сказать, когда и где в перформативных практиках впервые появился костюм. Однако изученные мною источники сходны в утверждении о том, что актёрский наряд зародился ещё до нашей эры. Так, около V века до н. э. в древнегреческих театрах персонажи уже были облачены в специальные одежды. В те годы важнейшим атрибутом любого образа являлась маска, закрывающая настоящее лицо актёра. Она придавала костюму театральный драматизм, позволяла «застыть» лику персонажа в той эмоции, которая была ему наиболее характерна. Не случайно и сегодня одним из самых узнаваемых символов театрального и перформативного искусства является маска.

Также костюмы отражали социальное положение персонажей, что играло значимую роль в то время. Обратившись к истории, мы узнаём, что с древности и до наших дней основное предназначение костюма практически не изменилось. Перемены закономерно коснулись как усложнения исполнения наряда, так и расширения возможностей во взаимодействии со зрителем. Предлагаю рассмотреть работы шести дизайнеров костюма, по-новому изобразивших известных героев, осветивших актуальные социальные вопросы и запомнившихся наиболее концептуальными образами.

Прежде чем приступить к анализу, следует обозначить основные термины, важные для понимания исследования.

Перформанс — форма современного искусства, жанр театрально-художественного представления, в котором произведением являются действия художника или группы в определённом месте и времени. К перформансу можно отнести любую ситуацию, включающую четыре базовых элемента: время, место, тело художника и отношения между художником и зрителем [1].

Смотря на эти наряды, в первую очередь мы замечаем невероятное количество деталей: женский образ украшен позолоченным бисером в форме звёзд и дополнен роскошным головным убором, а лацканы, «шлем» и рукава мужского костюма оформлены жемчугом. В сочетании с изысканной шёлковой тканью эти элементы придают образам особенный, богатый вид. Несомненно, яркость и изящность этих костюмов способны притягивать взгляд и сегодня.

Смотря на костюм для постановки «Минарет», мы замечаем сложную каркасную конструкцию, образующую необычное платье. Образ украшен в лучших традициях Пуаре: жемчужные бусы, мех и роскошная ткань. Наряд наделяет персонажа необходимым романтизмом и отсылает к древним церемониальным восточным костюмам.

Отдельно стоит рассмотреть костюмы, созданные для танцовщиц балета Дягилева в период «Русских сезонов». Две героини предстают перед зрителем в изысканных, сложных платьях, отсылающих к конструктиву кимоно. Помимо уже привычной роскоши и декоративности, характерной для всех работ Пауре, здесь появляются уникальные, совершенно нетипичные для танцевальных костюмов элементы: завышенная талия, платье-панье, длинные рукава.

Комбинация этих новаторских приемов производила сильный визуальный эффект прямо на сцене. Критики описывали это как «зрелище, достойное самого утонченного вкуса, пиршество для глаз» [6].

Проанализировав костюмы Пауре, можно сделать вывод, что его смелые и качественные работы продолжают привлекать внимание зрителя и в наше время. Театральная «революция», совершенная Пауре, заложила фундамент для развития современного «перформативного» костюма.